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03 abril, 2017

GRACIELA BORAU SE ENCUENTRA CON LA SENCILLEZ Y LA NOBLEZA DE "MANOLÍN"ÁLVAREZ

"¡Que paz profunda en este rostro, que bondad...!"

▪️La ingeniosa dibujante argentina de la sonrisa, Graciela Borau, ha conseguido devolvernos toda la sencillez del gran Manuel Álvarez Álvarez "Manolín" como para decirle al pasado que nada se olvidó, que todo está allí como la historia fulgurante de los 100 años de radio de su obra inmensa en Cuba. 
Foto de Iván Cañas (Caibarién, Cuba, años 70)
UNA MIRADA CON EL LÁPIZ DE BUENOS AIRES A CAIBARIÉN ✍

DE niño, allá en su aldea asturiana, Manolín fue como todos los niños de su tiempo, ingenioso, indiscreto, travieso y voluntarioso. Así era Manuel Antonio Álvarez Álvarez (Santiago de Ambás, Carreño, 1891—Caibarién, Cuba, 1986). 
Era de los buenos y enérgicos Manolín; de esa clase de niños que no se les ha dicho vaya y ya han vuelto. Lo fue en su niñez española y hasta el final de sus días en Cuba.

Todas esas virtudes juntas, las acabo de leer en este magistral retrato del señor, el consejero y el amigo, colgado hoy en mi muro de Facebook por la ingeniosa dibujante argentina de la sonrisa, Graciela Borau, y con la que ella ha conseguido devolvernos toda la sencillez y la nobleza de Manolín.

Cada vez que Graciela pinta, tiene un trazo más fino y más perfecto. Tal vez ya lo tenía desde que empezó en el oficio. A medida que sus obras fluyen, sus trazos destellan finura y perfección. 

Le iba a pedir un retrato de Manuel para ilustrar una posible segunda edición del libro de su vida, y desde hoy, afortunadamente ya lo tengo conmigo.

La adoración de Graciela son sus hijas y sus amigos; y dibujarlos, tanto a unos como a otros, se ha convertido en su mayor pasión. Sus hijas —tal como Graciela esposa— viven orgullosas de su papá, Carlos Sprovieri, de quien heredaron todo el amor para hacer actos de bien.

Así es también Graciela Borau, un ser amable, con pulso siempre decidido para dibujar, se lo pidan o no, pero siempre con una disposición suprema para hacerlo. Quizá por eso, casi a diario le saca muchas sonrisas a los argentinos y a sus amigos de todo el mundo. Hoy lo hizo con Manuel. 

Graciela no hace un dibujo sin antes detenerse en la vida de cada personaje y todo su pasado, como lo hace últimamente con los amigos de sus hijas y de sus amigos, como lo ha hecho varias veces conmigo. Graciela consigue retratos clavados de sus personajes como consecuencia de una profunda observación de sus "modelos" como ella llama a las imágenes perfectas que llenan sus bocetos o como la ve su propia hija Silvia: "Y lo que no se plasma en lápiz y papel, lo genera como suspiros de satisfacción con alguna frase que a veces exclama: "que ojos bellos", "que paz profunda en este rostro", "que bondad..."

Cada vez que Graciela hace algo nuevo, yo me digo, sin que ella lo sepa: otro legado para la inmortalidad de su obra, porque podrán pasar mil cosas en el amplio espacio de su día a día, pero siempre que pinta esta ingeniosa mujer, se está asegurando una pauta mas de la inmortalidad.

Graciela Borau, artista argentina afincada en Buenos Aires, que antes que todo es madre y amiga, es insuperablemente original, porque como diría el gran Borges, "lo interesante, lo original, sería que alguien lo amenace a uno con la inmortalidad." Y resulta que Gabriela, tal vez no comprenda lo suficientemente inmortal que está haciendo al más insignificante de sus personajes cada vez que se pone a pintar. Se lo está haciendo ella misma. Se lo hizo hoy al gran Manuel Álvarez Álvarez "Manolín". Ha confrontado toda la sencillez y la nobleza de un hombre como para decirle al pasado que nada se olvidó en él, que todo está allí como la historia fulgurante de los 100 años de la obra inmensa de Manuel.  
En el retrato que hoy le hizo husmeando en las imágenes de su recuerdo, mi artista amiga vuelve a fascinar con ese particular poder de hacer obras llenas de vida y atrapar la mirada del lector.
Hoy ha retratado a Manuel "Manolín", tal como es: profundo en su reflejos y lleno de sencillez. Lo digo yo que conocí las caricias del profesional que amó a su medio como estoy conociendo a Graciela también, esa mujer inmensa del silencio y la paciencia que cada vez que empalma el lápiz o el pincel explaya todo su genio sobre el papel.

Gracias, Graciela. El de hoy, ha sido otro retrato perfecto, genial. Has dibujado el rostro perfecto de mi entrañable y siempre recordado Manolín. Solo tus manos y tu trazo son capaces de trasladar toda la sencillez y la humildad de uno de los seres más extraordinarias que he conocido. 
Gracias, en su nombre y en el de su familia, que también sabrá agradecértelo.
Gracias amiga y gran artista, porque todo lo que haces es para felicidad de los demás.

SILVIA SPROVIERI SOBRE SU MADRE
«TODO lo que hace mi madre, lo saca justamente desde esa nobleza de espíritu cargado de bondad que materializa y comparte con sus  afectos construidos y se traduce en los trazos de esas manos, que nosotras (sus hijas) como privilegiadas, muchas veces vemos trabajar en su origen, desarrollo, final o retoques.... sombreados...

Y lo que no se plasma en lápiz y papel, lo genera como suspiros de satisfacción o muecas clavadas en cálida sonrisa, pero siempre concentrada en el dibujo, con alguna frase que a veces se desprende al aire como "que ojos bellos", "que paz profunda en este rostro", "que bondad", "que angelito!"... Y es lo que le da el touch de brillo del alma que queda en cada obra y que la hace tan única.»
▪️Silvia Sprovieri Borau, Buenos Aires, abril 2017


MANOLO ÁLVAREZ JR. SOBRE SU PADRE Y EL AUTOR

«Siempre acababan regodeándose como dos seres emponzoñados por la gran historia que contaba»
«Cuando la política oficial (en Cuba) era otra, Jesús abanderado de la verdad, hizo su tesis de grado con el tema de mi padre, con quien pasaba mucho tiempo hablando. No creo que nadie,  incluso nosotros sus hijos, puede hablar de la historia de mi padre como Jesús. 

Fue en 1982, cuando sumergido en su vejez, el oficialismo cubano le reconoció, por fin, el mérito por el que mi padre se esforzó toda la vida. 

En su primera casa de Caibarién, reza la inscripción: “Desde este lugar trasmitió en 1917 Manolín Álvarez las primeras señales de radio de Cuba”. 

El relato de la vida que llevó mi padre ('Crónicas del Caribe', Stella Maris), salva en las manos de su autor un episodio marginado de la historia.

Eran los primeros meses del año 1990, cuando me hablaron por primera vez de Jesús Díaz Loyola, un joven que estaba por graduarse de Licenciado en Periodismo. “Un vivaz muchacho”, según mis hermanos Emma y Nelson, que empezó a ser habitual en casa, sosteniendo conversaciones con mi padre acerca de la Radio, único tema apasionante para Manolín. Jesús acabó convirtiéndose en el principal difusor de su vida.

Mi padre no era hombre de abrirse a nadie tan fácilmente. Sin embargo,  a Jesús le dedicaba horas y horas de su tiempo, atrapado por la sorpresa de su interés por las viejas anécdotas. Siempre acababan regodeándose como dos seres emponzoñados por la gran historia que archivaba, y que de manera locuaz el autor fue capaz de recoger, dejando que mi padre soltara su testimonio, desvistiera la historia y transitara por su pasado.

¿Qué  le había inspirado de este jovencito  para  hablarle de su vida y su gran pasión?

Con 18 años, Jesús se arrimó a mi padre, y la Tesis de Grado “Génesis y fundamento del pionero de la radio en Cuba” fue, nada menos, que el apunte exacto del esencial papel de Manolín Álvarez como embrión de la radio en Cuba.

Después de más de 30 años de no oír su voz, los ojos se humedecen”. 
▪️Manuel A. Álvarez Casado, Miami, abril 2017

http://www.carnecruda.es/2015/03/31/manolin-alvarez-el-asturiano-que-monto-la-primera-radio-en-cuba/

◼️Manuel Álvarez, padre de la radio en Cuba:

«Confieso que jamás defraudé mis raíces, y aquel viaje que me cambió los destinos, valió la pena. Por eso lo cuento, porque no guardo rencores por nada, aunque sí he sentido siempre un remordimiento profundo por España.»
(«Crónicas del Caribe»/ Stella Maris, 2015)

EN AMAZON
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23 marzo, 2017

ANA VALDÉS-MIRANDA: UNA ARQUITECTA REAL DE LA PINTURA

▪️La pintora cubana-española echa mañana el cierre a su última exposición en Madrid.

Un cuadro imponente: "Praga en vertical"

UNA GEÓMETRA CONSUMADA DEL CUBISMO

El cubismo en la obra pictórica de Ana Valdés-Miranda
Su serie "Habana", un viaje nostálgico y melancólico por las fisonomías de sus raíces cubanas.

La más reciente imagen de la cubana-española, Ana Valdés-Miranda, en Madrid.

🖌El cubismo representa la ruptura clara y definitiva con la pintura tradicional. El particular estilo de Ana Valdés-Miranda, pintora cubana-española afincada en Madrid, es la clara confirmación del cubismo que se mueve en sus manos, porque como de ella dijeron en la exposición que concluye mañana en la capital española, "Ana es una arquitecta real de la pintura." 

Durante tres semanas, Ana Valdés ha compartido la muestra 'Encuentro' en la galería Ulmacarisa de Madrid, junto a la artista alemana Sigrid Acker. 
Pero antes lo hizo en los espacios de Unus, en el madrileño barrio de Arturo Soria. De manera que la vida de Ana se mueve en un constante avatar entre la pintura y la música, su otra cualidad artística, además de su labor pedagógica en diferentes Centros Culturales del país.

La pintora alemana Sigrid Acker (abajo izquierda) conversa con Ana Valdés-Miranda.
Su paso por dos escenarios de Madrid
 en los últimos meses, la confirma como el referente que ya es dentro del cubismo contemporáneo. Basta con atender solo a la vitalidad de la obra que la artista llevó al breve espacio de la galería Ulmacarisa, en el 26 de José Abascal. 

En el conjunto de más de una decena de cuadros, resplandece el cubismo en cualquiera de sus obras enmarcadas en el estilo pictórico que brotó a principios del siglo XX.


"Praga en vertical" o "Praga en horizontal" (en la foto), la interpretación con la técnica del acrílico que Ana hace de uno de los viajes más memorables de su vida, son dos de las obras que atrapan al visitante en la exposición de Ulmacarisa, como lo son también los cuatro cuadros de la serie "Habana", un viaje nostálgico y melancólico por las fisonomías de sus raíces cubanas y todo su pasado. 

La Habana la pinta con el dramatismo de una ciudad sumergida. Una Habana contaminada. Una Habana en ruinas, pero que Ana la hace bella.

El estilo estructural de Ana Valdés-Miranda dentro de la arquitectura lineal, confirma su fijación artística en el marco de una modernidad estilística que tiene su antecedente en el movimiento cubista que abrieron Picasso y Braque como parte del movimiento pictórico de los albores del siglo XX. 

ANA PINTA COMO CANTA

Ana pinta oyendo música, una cualidad particular en ella. He tenido el privilegio de asistir a la sensación placentera que provoca escucharle cantar. Su voz es maravillosa y su canto, penetrante; pero confieso que con la misma pasión con que vocaliza un bolero o un danzón, Ana pone todo el empeño frente al caballete y  crea sus cuadros con una armonía pincelada como si de sus manos salieran poemas sin palabras, lo que me lleva a concluir que esta artista engendrada en Cuba, canta como pinta y pinta como canta. 

La exposición que dice adiós mañana y en la que han sido reunidas solo algunas de sus mejores obras, justifica en toda su dimensión el cubismo en la obra pictórica de Ana Valdés, impregnado del tratamiento vivaz de su colorido, de un gran manejo de la geometría y de las técnicas de la superposición de formas planas que predomina en sus paisajes. 

Ya en la antesala de la exposición que ha mantenido durante todo el mes de marzo en Ulmacarisa, la escritora, periodista y crítica de arte, Julia Sáez Angulo, definió su pintura como una expresión escultural en una arquitectura lineal y elogió su "trazado preciso con estética y romanticismo".  
La escritora, periodista y crítica de arte, Julia Sáez Angulo (izquierda) dijo sobre Ana Valdés-Miranda (derecha): Tiene "un trazado preciso con estética y romanticismo".  

Ana Valdés-Miranda ha  compartido protagonismo en esta muestra llamada 'Encuentro' con la pintora alemana Sigrid Acker, y que ha sido más bien un viaje entre el cubismo que a Valdés-Miranda le brotó al borde del Caribe y el arte proliferante del retrato europeo de la mano cuidada de Sigrid Acker.
Dos estupendos retratos de Sigrid Acker: "Mujer con botella" y "Fugitivas".

En su casa-taller de Madrid, todo el horizonte creativo de Ana Valdés-Miranda se mueve a base de acrílicos sobre lienzo y lienzo tabla, porque es donde más le gusta desarrollar su técnica, en "bases sólidas como la madera", dice.

Hay algo positivamente repetitivo en Ana, y es su tendencia al azul. En casi toda su obra es un color que prevalece, porque sencillamente así se siente feliz y es un referente irreprochable de su identidad y todo su pasado. Así ocurre con la serie "Habana" y con la "Noche azul" que consigue en el acueducto de Segovia, ciudad donde Ana recibió los primeros impactos de las fisonomías españolas que han ido llenando su obra. 

En el cuadro del Acueducto segoviano, la pintora cubana-española hace derroche del azul marino  de su infancia habanera. El azul resalta y da luz en su interpretación del acueducto romano del Siglo II. Sobre el cielo de su arquería y tras de si, explaya magistralmente el azul que contrasta con el paisaje del entorno de la monumental obra. Es lo mismo que le sucede con los tejados , cielos y fachadas en sus lienzos de La Habana. 

El día de su homenaje en la Tertulia Peñaltar de las Artes, le preguntaron:
 —Si tuviera que salvar un color de su paleta, ¿cuál elegiría? Ana respondió sin reparo que el azul. El azul de su isla y de sus viajes por ciudades como Praga, la isla veneciana de Burano, y españolas como Girona, Segovia, "una ciudad mágica" -como la define; también de sus años en Ponferrada y, sobre todo, Madrid, su segunda patria chica.

Ana Valdés-Miranda desarrolla el cubismo con una maestría del dominio de su técnica del acrílico con el óleo sobre lienzo o madera y consigue paisajes y tonalidades formidables como  se observa también en "La Transparencia de los peces". 

Hay otra relevancia en la pintura de Ana Valdés, y es que sus obras enmarcadas en el movimiento cubista no quedan en el simple escenario de los paisajes y las fisonomías de sus entornos. No quedan en el contexto de una naturaleza muda, porque Ana recrea los ambientes de sus objetivos, y con el dominio sobre el color y los elementos de su línea pictórica lleva luz y vida a sus cuadros. 

Hay una obra suya que a mi, particularmente me cautivó: "Gitana de Luto". Si bien no está incluido en la exposición, explaya en ella todo su dominio sobre el retrato. Es una interpretación nostálgica de los estados de una mujer como lo son sus logrados desnudos —tampoco en la Exposición– pero que encierran alegorías extraordinarias de figuras femeninas dibujadas casi de cuerpo entero y de las que impresionan la interpretación con cierta desproporción que consigue en su acabado. 

Lo que refuerza la amplia obra de Ana Valdés-Miranda es su constante desandar con la influencia del cubismo en una línea que la artista viene desarrollando en sus exposiciones por toda la geografía española desde hace mas de 20 años, cuando aterrizó en Madrid con el título para ella más amado  de graduada de Bellas Artes en la Academia San Alejandro de La Habana, impregnada de toda la sabiduría que le dieron importantes pintores cubanos como Flora Fong, Nelson Domínguez, Antonio Alejo (DEP), José Fowler y Juan Moreira.

De Ana Valdés-Miranda se pueden decir muchas cosas, pero nada mejor como la definió Evelio Domínguez, un extinto artista costumbrista cubano, amigo del alma y del oficio, quien la llamó "pintora de la canción o la voz de la pintura"

Es, precisamente, la linealidad en la mayoría de sus obras, el manejo de la geometría y de la superposición de formas planas, las características esenciales que emanan de los cuadros de Valdés-Miranda, y que hasta este viernes pueden ser visitados en la muestra 'Encuentro' de Ulmacarisa para comprender mejor los elementos imprescindibles del cubismo que destacan y prevalecen en cualquiera de sus cuadros.

Dije al principio que el particular estilo de Ana Valdés-Miranda es la clara confirmación del cubismo que se mueve en sus manos, porque como de ella dijeron, Ana es una arquitecta real de la pintura. Pero Ana es algo más, es una “geómetra consumada de su estilo” cuando en cualquier obra suya las arquitecturas de las fisonomías más diversas adquieren formas y colores.

10 noviembre, 2012

EL POEMA SIN PALABRAS DE ISABEL MARTÍNEZ FERRERO

Pintura Naïf
Una pintura es un poema sin palabras. Isabel Martínez Ferrero (Zamora, 1917), la decana pintora naïf española que un día fortuito conocí en Madrid, me obsequió el viernes en su casa, una pieza del poema inacabado que es su obra legendaria sobre el lienzo.

A sus 94, ella sigue pintando.

Decía Oscar Wilde que “antes del impresionismo no había sombras azules”, pero el azul intenso y celeste del ambiente en que creció y se forjó Isabel, entre Zamora y Madrid, ha marcado su pintura toda la vida.

“El río que nace en las montañas azules”, una expresión de su extensa obra que tantas veces he comentado, ahora cuelga con beneplácito en mi salón, sin que ella sepa que el mayor mérito que me concede es el de hacer una fiesta permanente para la vista.

Isabel Martínez está al borde de los 95, del Siglo se puede decir, y sigue pintando, que es lo mejor. “Hasta el final de mis días”, me dijo entre susurros y emociones, cuando este viernes por fin estuve en su casa de la madrileña calle de Orense, en mi afán por seguir armando la historia de su vida que, en definitiva, es la biografía pintada de sus cuadros.

Le pregunté a Isabel ¿cuántos cuadros en toda una vida? “Cientos”, asintió sin reparos.  “Doscientos”, “trescientos, tal vez”, precisó María Ángeles, una de sus cuatro hijos.

La pintura de Isabel no es poesía muda: “A ver quien pinta esos árboles”, me dijo segura de la distinción de sus cuadros llenos que se mueven entre lo abstracto y lo pintoresco. En cualquiera de ellos, confluye todo lo esencial del arte naïf: lo ingenuo, lo sencillo y candoroso hasta lo fresco y espontáneo.

Isabel pinta movida por el cúmulo de historias y emociones del pasado que atesora. Su vida es una carrera de producción en serie que le ha brotado desde la ingenuidad y la espontaneidad imaginativa de la pintura que recrea. Pero es más, un acontecimiento desde el derrotero de sus ancestros, entre las incursiones de su padre en la aventura de hacer las Américas, que ella recuerda con nitidez,  hasta su afán autodidacta de emprenderse por sí sola  

El colorido y la escasa técnica con que se mueve Isabel, la han hecho exponente de un arte libre de convenciones. Es una consumada maestra popular de la realidad, una expresión del primitivismo moderno que le brotó arrimada a la naturaleza. Sus pinturas son poemas sin palabras. En sus paisajes hay un viejo amor, está el suspiro de un eco lejano, hay melancolía y añoranza, pero sobre todo, hay exuberancia multicolor entre los recuerdos del pasado y los resuellos del presente.

Nadie que no haya conocido a Isabel y no haya vivido su amor empedernido por la pintura, puede imaginarse a esta anciana con 94 años, en un lugar de Madrid, sumergida en su pasión insaciable por el arte de pintar, en una confrontación descarnada con la realidad en la imaginería del mundo de colores que dibuja

Nadie que no la haya visto enfrentada a un lienzo con el olfato primitivo de su pintura, puede concebir siquiera como palpita el arte naïf en una mujer que lo lleva en la sangre. Nadie que no ame a la pintura puede entender las cosas que yo llevo diciendo hace años de esta nonagenaria, cuya obra nunca acaba, o más bien, acaba y comienza cada vez que termina un cuadro. Ayer tenía dos sobre su caballete.

 
El viernes me despedí de Isabel con la pena que provoca siempre abandonarle inmersa en sus instintos, a pesar del peso de sus años. Las charlas con ella albergan historias interminables. La dejé, como siempre, sentada y serena, rodeada de sus cuadros llenos, Pareciera como si ella misma se aplicara a la sabia ilustre de Picasso: “Yo no digo todo, más pinto todo”.
 
“El río que nace en las montañas azules”, tiene ya el mérito de ser una fiesta a la vista de los demás, como lo es tanta pintura suya dispersa por España y por el mundo.
 Gracias, Isabel.

24 octubre, 2010

Andrés Puig salta del negro a la luz

“Una mirada sobre África”

El pintor hispano-cubano abre su etapa de luz en el Centro Cultural Pérez de la Riva
(Las Rozas, Madrid)
Jesús Díaz Loyola (ATP)
Fotos: Cortesía de Puig
Nueve óleos sobre lienzo y una docena de dibujos a pluma, un motivo y una razón: África y la luz. Ese es el presupuesto artístico con que el pintor hispano-cubano Andrés Puig, afincado en Madrid, se declara plenamente inmerso en el período luminoso de su obra.

Veintiuna obras en total justifican su más reciente propuesta: “Una mirada sobre África”, que durante octubre y noviembre ocupa el madrileño Centro Cultural Pérez de la Riva, en Las Rozas.
"Una mirada... es la pizca con que Puig se anticipa a "Serengueti", la exposición cumbre que ya ultima para llevar próximamente a salas y museos nacionales e internacionales y que conforman 70 obras de grande, mediano y pequeño formato, y medio centenar de dibujos.
Puig (con sombrero) y el autor de este blog.

Cuando este octubre, el propio Puig dejó felizmente inaugurada la muestra en la Sala Maruja Mallo, destapó nueve lienzos que justifican todo el colorismo y vestigios africanos que marcan la nueva etapa en que el artista deja lo negro para adentrarse en un período de luz.

La mirada diáfana sobre África que hace ahora, es una evocación artística que le sitúa en el período de máximo esplendor, a partir de las vivencias que guarda de un latiente viaje por el continente negro, tres décadas atrás, y que le llevó a Tanzania, Somalia, el Congo Brazzaville, Kenia y Egipto.

De cualquier modo, antes y ahora, en su línea negra primero y en su etapa de luz después, los cuadros de Puig son cada vez un reflejo del encierro maravilloso en que han convivido la pintura y él, con la infinidad de motivos y figuras que dibuja desde que se asentó en la sierra madrileña hace más de veinte años.

En ese mundo de magia y silencio, Andrés Puig ha hecho maravillas. Recuerdo su revelador período negro que hacia 2004 agotó en su colección La Fértil Reserva Infinita Casi Agoniza. Allí están "Conjuro", "Acecho", "Cicatrices" y "Día de Magia" como un canto imperecedero al gigante africano.
Pero ahora Puig, enhorabuena, se zafa de la sombra para explayar la luminosidad en su pintura: “Más color, más contraste, más nitidez y, sobre todo, luz”.

“Mujeres del Serengueti”, el tríptico de 2009 que lanza su nuevo proyecto, es una obra maestra que el autor ha de preferir con especial manera, porque fue allí donde Puig justificó toda la consumación de su etapa de luz. Son motivaciones supremas, en las que las mujeres se mueven como cuerpos celestes para formar una conjunción de ambientes luminosos.

"Mujeres del Serengueti" (a la derecha) debe su nombre al Parque Nacional tanzano, muy cerca de donde está la Zona de conservación de Ngorongoro, y entre sí, forman todo el ecosistema del Serengueti, fuente en la que ineludiblemente se ha inspirado Puig para su obra. Los dos destinos han sido declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Por todo el Serengueti habitan fundamentalmente leones, leopardos, elefantes, rinocerontes y el búfalo cafre., aunque aquel confín africano es hogar también de hienas, guepardos, cebras, aves rapaces y muchas otras especies, cualquiera de las cuales llenan la imaginería plástica que se ha revelado como un estilo particular en Andrés Puig.
En su meta cumbre que es ya el proyecto Serengueti, con toda la carga de evocación del negro entre lo blanco, el artista ha plasmado en una vasta serie la viva imagen que retiene del África de los 70, con personajes y evocaciones que logra en un contexto de impoluta claridad, y en una abstracta interpretación de los orígenes de la Humanidad.

Su fama y prestigio como exponente de la vanguardia surrealista, le viene desde sus mismas raíces, cuando nació en 1948, en la oriental provincia de Las Tunas, pegado al campo, y en esa convivencia idílica con la tierra ha seguido toda una vida.

Todas las exposiciones anteriores, incluidas las colecciones permanentes donde sus obras viajan por el mundo, reflejan los más disímiles ambientes y personajes que han marcado la vida de Puig, y con los que no deja de convivir y hasta sueña.

Pero, como decía, ahora Andrés salta del negro a la luz y llega a un mundo de imágenes que alumbran y lleva consigo a cualquier parte, en un viaje imbatible entre el tiempo, la memoria y los recuerdos más vivos. Eso es lo que encierra ahora su atinada mirada sobre África y todo el espectro del Serengueti que palpita en él.

Me detengo en una más, “El cruce del río Mara” (a la izquierda), obra de 2009, una impresión de seres virtuales vistos en un contexto, donde las figuras, los colores y los contrastes, trasladan cualquier circunstancia. Hay selva, hay agua, hay cielo y hay odisea, todo un universo que Puig vuelca magistralmente sobre el lienzo.

Junto a sus grandes óleos, el artista lleva a Las Rozas un conjunto de dibujos a pluma: “Bajo el sol”, “Buscando paz”, “Nueva vida”... Todos, sin desperdicio, son cuadros cristalizantes que inyectan luz en la retina y conforman una serie que dibuja güijes -como los llama Andrés- seres de la fantasía que en ciertos lugares de la Isla de su pasado protagonizan leyendas populares, pero en las viñetas de Puig se mueven al antojo de los ojos.
El manchego Pedro Morillo, pintor y escultor de amplia ejecutoria, quien comparte motivos en la Fundación de Andrés Puig, valoró altamente la madurez consumada en el cubano con "Serengueti", en tanto la periodista y escritora riojana Julia Sáez Angulo, que coordina la muestra de Las Rozas, exaltó sus más nobles instintos a favor del arte y los aires fundacionales por los que ya transita su obra.

Las obras que este otoño llegan a Las Rozas y se adelantan al gran proyecto Serengueti, un programa itinerante que ocupará varios años, justifican toda la luminosidad del contraste con que el artista expandió el óleo sobre el lienzo y entró en su período de luz para hacer todavía más expresiva su personal manera de dibujar, la técnica que domina en él y que nos es suficiente para leer sus cuadros.

El Andrés Puig que se pasea por Madrid, es autor además de las colecciones Camino de esperanzas (2004), La intemporalidad del retorno (2003), y tiene catalogadas en los noventa Afromística Cubana, Encuentros de Orishas y Algo por qué meditar, una exposición que cosechó éxitos en Argentina, Chile y la ciudad balneario de Miami (Estados Unidos).

Cualquier signo de la transculturación afrocubana confluye en su obra, permanentemente animada en la abstracta interpretación de ecos visionarios y surrealistas con un estilo que ya lleva el sello de Puig.

Y todavía me remonto seis años atrás, en 2004, cuando concibió Éxodo africano (foto de la derecha). Allí, Andrés Puig ya preconizaba el período de luz al que se afana ahora.
Pero la colección que llena toda la etapa luminosa es mucho más amplia de lo que aquí se cuenta. Diría que brotó también con su serie de bailarinas, que hace unos años tuvo un especial impacto.

En su casa-taller de la sierra madrileña, el artista le echa cuentas al tiempo y cada día, a cada paso por entre los cerros de La Cabrera, un trazo insospechado suyo le abre una rendija más a la luz en sus pinturas.

Puig en plena faena, en su estudio de la sierra madrileña
En Las Rozas le preguntaron si tenía autorretrato, y el artista sostuvo que cualquier cuadro suyo es una semblanza de la vida que ha llevado en sus estados más puros: bohemio, elegante y melancólico.

Todos los cuadros de Puig son una tentación a los ojos y no evitan que uno se rinda ante ellos. La exposición en el Centro Cultural Pérez de la Riva, en Las Rozas, Madrid, es una sugerente ocasión para encontrarse con la obra de este consumado artista y el mundo mágico que le rodea, lleno de mitos y leyendas.

LEA MAS SOBRE LAS PROYECCIONES Y PERSPECTIVAS DE PUIG EN SU SITIO WEB: http: //www.amdragos.es/puig/

28 junio, 2010

Isabel Martínez Ferrero vuelve a El Pardo

La magia del primitivismo de
la abuela del arte naïf español

La pintora hace derroche de su lucidez nonagenaria y regresa con veinte obras que justifican su madurez artística
"El color de la magia" es la nueva propuesta de la zamorana que se ha ganado un espacio en el distrito madrileño.
Jesús Díaz Loyola (ATP)
Mira el Río se llama la calle, como la pintura de Isabel, que siempre mira al río y al horizonte infinito de la naturaleza que dibujan sus cuadros. En el número cuatro de la calle Mira el Río de El Pardo, en Madrid, está el Centro Cultural Alfonso XII que acoge este verano El color de la magia de esta mujer extraordinaria.
Tal vez nunca antes Isabel Martínez Ferrero tuvo la perspicaz idea de resumir en una obra toda la fuerza expresiva de su pintura. El color de la magia, su última creación, da título a la nueva exposición que este junio lleva a El Pardo en un intento por abarcar todo el universo de su fecunda vida consagrada al arte naïf.
Digo yo, a veces la crítica sobre la plástica no es lo suficientemente justa a la hora de catalogar el arte en toda su dimensión. Se habla del post modernismo y se olvidan las esencias culturales de un mundo real, las que matizan cada obra de arte. Y ese es el caso de Isabel, diría también, por la carga de influencia de su vida y su cultura que atesora toda una obra. El primitivismo que Isabel desarrolla está en la libertad e imaginación con que llena el lienzo.
La influencia cultural en su pintura está dada en que ella fue una niña que creció pegada al pueblo, entre flores y arboledas, y fue de las adelantadas que pronto alcanzaron la ciudad. De manera que ha sido esa razón, la que le ha mantenido toda una vida con su atinada fijación por el campo, por el río y por las flores. Se la dio el genio adelantado de la infancia y brotó después con su pintura.
Por eso decimos que la obra de Isabel Martínez viene de entonces, desde la inocencia de una niña que cavó siempre en sus orígenes, allá en un pueblo de Zamora (Villarín de Campos, 1917).

Isabel tiene ahora 93 años, pero desde el principio sus cuadros han venido cargados de un innato aire primitivo que sólo ella sabe traducir desde la delicada y vigorosa imagen del paisaje rupestre que desarrolla.
No hay dudas de que el éxito de esta pintora naïf radica en el encierro con el mundo que la cautivó y la absolvió para siempre en la parábola conceptual de su pintura.
Veinte obras componen El color de la magia que ahora mismo está en El Pardo. Desde “Mujer entre flores”, un retrato que data de más de veinte años hasta el color propio de la magia que revela su más reciente creación, la pintura de Isabel es un reflejo de la vida misma: delicadeza, puerilidad, todo envuelto en la belleza de imágenes juguetonas, que cada vez intentan descifrar el sugerente mundo que ha marcado su paso por la vida.
Isabel Martínez, la abuela del arte naïf, como a mí me gusta llamarla, tiene su estudio en el mismo piso donde vive en la madrileña calle de Orense. Su casa es un atisbo de maestría en el arte de pintar. Allí, día a día, esta anciana voluntariosa que es un reto a los años, se pasa casi todo el santo día en su casa-taller inmersa en su mundo naïf, soltando por sus manos la viveza de los colores que lo combinan todo como las piezas que ahora inundan El Pardo: Árboles mágicos, Retrato de Primavera, El templete árabe del Retiro, La Vendimia, Las últimas nieves o El río que nace en las montañas azules.

Casi a punto de tomar el salón expositor del Centro Cultural Alfonso XII y después de más de un año incursionando en la pintura de Isabel, Pilar, una de sus tres hijas y, tal vez, su mejor crítica, me propuso comentar esta muestra, y me lo dijo con una clara fuerza interpretativa de la imaginación con que pinta su madre: “El color de la magia es ella con sus colores, sus niñas, sus árboles, sus flores, con esa paz y alegría que le son innatas de toda la vida”.
Y cierto es que en la pintura de Isabel, sobre todas las cosas, está el Villarín de su infancia, pero también está el Madrid donde se le acabó de estirar el cuerpo; están España y sus imaginerías que reflejan el espíritu y la cultura de este mundo.
El color de la magia, la última exposición de Isabel Martínez Ferrero, es un acercamiento nítido a la esencia cultural de este tiempo y de su tiempo y, en definitiva, la sazón coloreada del universo que sus imágenes hacen cantar.
La muestra abarca el quehacer de los últimos años, de las últimas décadas, quizás. Aunque faltará la verdosidad primigenia de sus inicios, Isabel Martínez nos presenta su última muestra haciendo derroche del color de la imagen de una artista ya madurada, donde cada obra viene tratada con una genialidad que la hacen dueña de sus dones y sus destinos.
La obra mejor acabada de los años maduros de Isabel está en El Pardo: veinte cuadros justos, y cualquiera de ellos lleva esa distinción particular de la pintura naïf, la magia del primitivismo en que se mueve Isabel. Hay que verlo para vivirlo.
En la calle Mira el Río está un pedazo del eden maravilloso de Isabel. Y de calles hablando, supe en El Pardo que el Ayuntamiento del Villarín de sus orígenes le dedicó una calle a quien hace mucho tiempo le tienen allí como una hija ilustre.
Una imbatible Isabel regresó a El Pardo este junio rodeada de familiares, amigos y muchos admiradores espontáneos No son pocos, porque a sus 93, Isabel todavía enamora.

22 junio, 2010

“Sobre el arte naïf”: Un libro que además de legado, salda una deuda

Lo más granado del arte naïf
de la mano de Antonio Granados


El pintor y ensayista publica una antología que reune lo más selecto de la pintura naïf española y de otras tierras.

Está entre ellos, la entrañable zamorana Isabel Martínez Ferrero, que junto a Granados son como un pilar de un movimiento que hoy se valoriza.


Jesús Díaz Loyola (ATP)

Antonio Granados Valdés (Nerva, Huelva, 1917) ha desandado por la vida de los pintores naïf, que tal vez parecieran seres inexistentes. Granados ha tenido la paciente labor de estudiarlos, analizarlos y agruparlos en una magnífica antología, que lejos del encanto de su esencia, nos regala un gran legado y salda una deuda con el fascinante mundo de los pintores naïf en España y el mundo.

Fui a la presentación del magnífico ensayo “ Sobre el arte naïf”, una antología de la que no se escapa nadie. Allí se inmortalizan nombres conocidos y no conocidos. Pero, sobre todo, gentes de bien, que desde el pincel surrealista alegran la vida. Estaban Amparo Martí, el alma generacional de los pintores naïf, Manuel Gómez Arce, Menchu García Rendueles, María del Carmen Corcelles Castro, Carmen Vivó y tantos otros, pero sobre todo, estaba Isabel Martínez Ferrero, quien ha tenido la culpa de que yo sea hoy un obsesionado del arte naïf. Todas ellas, sin distinción, pintan el universo mundo que les rodea, a sus maneras y a sus formas, como nadie sabe hacerlo igual.

La compilación de perfiles sobre los expositores de la pintura primitiva que nos presenta Granados, incluye crónicas, que si bien no abarcan todo el quehacer de una vida, en gran medida se acercan al universo mundo de la pasión por pintar que les venía predestinada a cada uno de sus protagonistas desde el día en que nacieron.

La larga carrera intelectual de Granados se mueve entre España y Sudamérica. Durante más de veinte años fue profesor y director de extensión cultural en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela. “Mi vida en Caracas”, es un valioso documento testimonial de sus andaduras en tierras mestizas. Entre la amplia lista de obras publicadas por Antonio, sobresalen también “Artistas de América” y “La aventura de la línea”, todas, en cierto modo, descifran un acercamiento a su vida que va íntimamente ligada al arte naïf.

Al presentar este marzo en la galería Orfila de Madrid, su obra“Sobre el arte naïf”, el propio escritor matizaba sobre ese universo mundo, que de alguna manera ha marcado la vida de tantos apasionados por el arte primitivo: “Son seres que poseen valores innatos que les llevan a expresar por medio de la pintura todo lo que les conmueve a su paso por la vida”.

Paso a paso, golpe a golpe, Granados fue transitando todo un camino, en el que se nutrió y asimiló la gran deuda que entrañaba con los pintores naïf españoles reunirlos en un testimonio histórico que es ahora su libro “Sobre el arte naïf”.

Arturo del Villar, Tomás Paredes, Amparo Martí y Antonio Leiva, colegas y amigos, pero sobre todo, sus mejores críticos, desde la obra de Granados definieron los valores que identifican a cualquiera de los personajes de su libro: “La honestidad que demuestran, la intensidad de lo que conocen y, sobre todo, la sencillez, caracterizan a cualquiera de los exponentes de la pintura naïf española en la obra de Granados”.

En opinión de uno de sus más cercanos colaboradores, Arturo del Villar, “Ni a Granados ni a ninguno de los personajes que dibuja su libro les interesan los concursos, porque sencillamente su obra es una expresión de la espontaneidad con que fluye su realismo”.

“Sobre el arte naïf”, es una culminación de la obra critica y literaria de Antonio Granados.

Amparo Martí, principal impulsora del movimiento que hoy agolpa a los pintores naïf españoles, se congratuló con la veracidad del libro de Antonio Granados, que es en definitiva, un reflejo de la pujanza de un arte que se convirtió en la pasión dominante de la gran potencia expresiva de quienes no siempre fluye un dibujo incorrecto.

ISABEL NO CREE EN ACHAQUES

En la foto,Isabel Martínez (dcha) arropada por su colega Menchu García.

Asomada a sus 93 años, Isabel Martínez Ferrero, la decana del movimiento de pintores naïf españoles, sigue imbatible. No le importan los achaques de los años, porque sencillamente no se resiste a la tentatación innata por pintar que le ha acompañado toda la vida.

“Sigo pintando y lo haré hasta el final de mis días”, me dijo a la luz de la presentación del libro de Granados y me anunció más: Tiene una exposición, una más, señalada para junio en predios de Madrid.

De esta zamorana que se lo ha dejado todo por el lienzo, hemos hablado mucho en Atrio Press, y habrá que seguir haciéndolo, porque de verdad que su constancia y su vitalidad son ejemplos que enaltecen y alimentan los deseos por seguir viviendo.

Granados interpreta que la pintura de Isabel justifica en ella todos “los motivos para conjugar armónicamente los colores de la vida”, que en todo caso matizan cuadros suyos como hizo en “La Vendimia” o en “Futuros olímpicos”, “porque es en la composición de sus cuadros, donde todo lo pintado traslada la movilidad que inevitablemente provoca la conjunción armónica de sus colores”, escribe Antonio Granados.

En él capitulo dedicado a Martínez Ferrero, que ilustra con su “Composición poética” de 2002, hay un dato en Isabel que aporta Granados que lo dice todo en ella, pero es la caracterización extrema de cómo fluyen muchas de las obras de los pintores naïf: “Pinta impulsivamente, en una acción desesperada que se supone animada por la emotividad que le lleva a resolver pictóricamente cada cuadro de un tirón”

Y así son las cosas cuando son del alma, digo yo. Isabel Martínez como Manuel Gómez Arce, Menchu García Rendueles, María del Carmen Corcelles Castro, Carmen Vivó y tanto talento naïf que Granados retrata en su libro, no son más que la confirmación expresa de la espontaneidad y el autodidactismo de sus artistas en una perspectiva científica captada por intuición.

22 marzo, 2010

ESPAÑA A LA HORA DE LOS PINTORES NAïF

Imágenes de un encuentro
“El autodidactismo que practican la mayoría de los pintores naïf, deriva del deseo de huir del academicismo para conseguir unas manifestaciones artísticas menos contaminadas por los convencionalismos”.

Los 21 pilares del arte naïf español

Inés Arias Domínguez
Estela Benavides Delgado
Elena Blanco Gómez
Ana María de Abadal
Esther Acedo Acedo
Ma. Carmen Corcelles Castro
Amalia Fernández de Córdoba
Menchu García Rendueles
Manuel Gómez Arce
Juan Guerra
Candelas Hernández Velasco
Basi López Abad
Catalina López Sevilla
Isabel Martínez Ferrero
Marisa Norniella
José Panchón Ordóñez
Julián Paradas Cebrián
Charo Quintana Rodríguez
Gracia Risueño
Pepa Santos
Carmen Vivó





El pintor y escritor andaluz
Antonio Granados Valdés
presenta en Madrid
su libro
"Sobre el arte naïf"





























¿Como vemos el arte naïf?
Contornos definidos.
Precisión.
Poca perspectiva.
Sensación volumétrica.
Extraordinario colorido.
Pintura detallista y minuciosa.
Gran expresividad.
¿No quedaría tan incorrecto?

Amparo Martí saluda a
Isabel Martínez Ferrero,
ícono del arte naïf


La palabra hablada y escrita

En la antigua Roma, atrio era un espacio abierto en sus míticas casas cercado de pórticos y destinado a reuniones familiares y a los huéspedes. En las iglesias romanas, atrio se describía en un patio amplio que miraba al exterior. Atrio son los extensos corredores al aire libre que se disipan a la majestuosidad de muchos templos y palacios en la fisonomía de las grandes ciudades de este mundo.

Y eso es @trio press, un espacio permanentemente abierto a los acontecimientos que han rodeado y rodean la vida. @trio Press (ATP Foro de Noticias) es una ventana a la actualidad en todos los horizontes del quehacer humano, y que dibujaremos con la imagen, el sonido y la palabra hablada y escrita.

@trio press-foro de noticias es una plaza pública en la red, un epicentro de atención cultural e invitación constante al foro libre.

El atrio triunfó en Roma tal como el ágora en Grecia como punto de encuentro y opinión tras la caída de la civilización micénica en el siglo VIII (Antes de Cristo). Hasta nuestros días, la más famosa, el Ágora de Atenas, es la única belleza arquitectónica de la Antigua Grecia que conserva, al menos, su techo original. Y allí, como marcándole el paso del tiempo está al aire libre el extenso corredor, el atrio, que se disipa al Ágora de Atenas.

En honor a esa pauta primera del derecho al foro y a la opinión sale @trio press. Como un foro público, un espacio para difundir actualidades. Vamos a contar la historia que vivimos a partir del testimonio que es uno mismo. Queremos, sobre todas las cosas, encontrar los protagonistas del pasado y del presente del derrotero que es la vida.

Esto es @trio press el espacio donde invitamos a contar la historia, la de este mundo y que, a veces, pasa inadvertida. Contáctenos y cuéntenos lo que quiera en Atrio Press, el foro de noticias. Nosotros lo diremos tal como nos lo cuenten. Bienvenido a @trio press.

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